May The Circle Remain Unbroken by Corinne Day

¥55,000

イギリス人写真家、コリーヌ・デイによる写真集。 コリーヌ・デイの写真は、ファッションとドキュメンタリーの双方にまたがる次世代のイメージメーカーたちに大きな影響を与えてきた。自身の生活や人間関係を、写実的なスナップショットの美学によって率直に記録したその写真は、ファッションの華やかさの背後にある若者文化を捉え、虚構化や覗き見的な視線を避けながら独自のリアリティを示している。 1993年に「Vogue」に掲載されたケイト・モスの写真によって物議を醸し、いわゆる「グランジ」ファッション写真の先駆者として知られるようになった一方で、一時は主流のファッションメディアから距離を置かれることとなった。その後デイは再びファッションとアートの世界へと戻り、作品は世界各地のギャラリーや美術館で展示・収蔵されている。2010年8月に逝去したデイの没後初の書籍となる本書では、これまで未発表であった初期作品群を通して、この写真家の重要な仕事をあらためて紹介している。 グレン・オブライエンによるテキストを収録。パブロ・フェロによるカバーフォント・デザイン。 1000部限定。コンタクトシートが付属。 - Title: May The Circle Remain UnbrokenArtist: Corinne DayText: Glenn O’BrienPublisher: Morel BooksFormat: HardcoverSize: 254 × 203.2 mmPages: 164Language: EnglishEdition: Limited edition of 1000 copiesISBN:  978-1907071331 Condition: Good／表紙全体に染み、経年並みのやけはあるが全体的に美品。

May The Circle Remain Unbroken by Corrine Day (Mint)

¥0

イギリス人写真家、コリーヌ・デイによる写真集。 デイは1990年代初頭、ファッションフォトグラファーとしてキャリアをスタートさせた。当時のファッション界がグラマラスでセクシーな女性像を主流としていた中で、彼女は被写体のありのままの姿をとらえるリアルでドキュメンタリー的なスタイルを貫き、無名時代のケイト・モスを起用して一躍注目を集めた。その姿勢は、後続のファッション写真に大きな影響を与えることとなる。 本書は、2010年にデイが亡くなって以降初めて刊行された作品集であり、夫で映像作家のマーク・サージー、Gimpel Fils Galleryのオーナーであるジャッキー・ハリデイ、出版社Mörelのアーロン・モレル、そして長年の友人でありミューズでもあったタラ・ヒルの共同編集により、約3年の構想期間を経て刊行された。 初公開となる初期作品群に加え、写真家としての転機となった1987年から1996年にかけての代表的な作品を多数収録。その多くはロンドン・ソーホーにある自宅フラットで、友人たちの日常を撮影したスナップショットで構成されており、まさにタイトルの示す「決して途切れることのない友情の輪」を感じさせる一冊となっている。 タイトルは、デイが生前好んで聴いていたバンド「The 13th Floor Elevators」の楽曲から引用されたもので、タイポグラフィは『時計じかけのオレンジ』や『博士の異常な愛情』の題字デザインで知られるパブロ・フェロが手がけている。 - Title: May The Circle Remain UnbrokenArtist: Corrine DayPublisher: Mörel Books, 2014Format: HardcoverSize: 254 × 203 mmPages: 164Language: EnglishEdition: First editionPrice: ¥66,000 Condition: Mint / 新品未開封

W'happen

¥0

1990年代を象徴するイギリスのファッション写真を紹介するべく、イギリス人写真家のジェイソン・エヴァンス（Jason Evans）編集のもと出版された作品集。当時エヴァンスは、ショーディッチ・ビエンナーレ（The Shoreditch Biennale）のプログラムの一環として開始された、20世紀後半のイギリスのファッション写真に関する展覧会「Look at me」の企画に携わっていた。エヴァンスは本書に関して、「ヘロイン・シック」スタイルで知られたグランジ・ファッションの時代に封印された幅広い作品を集めることで議論を広げ、90年代初頭のドキュメンタリー・スタイル（スタイルとしてドキュメンタリーの意）の写真が、特定のデザイナーやスタイリスト、そして写真家たちの枠に収まるものではなく、より特異的かつノスタルジックではないムーブメントであることを示そうとしたと述べている。収録作家Elaine Constantine/Corinne Day/Nick Knight/Marc Lebon/Craig McDean/Nigel Shafran/David Sims/Wolfgang TillmansThe Shoreditch Biennale, London, May 1998https://archive.aperture.org/article/1999/1/1/the-shoreditch-biennale-london-may-1998-Title: W'happenArtist: VariousEditor: Jason EvansShoreditch Biennale, 1998Softcover, perfect binding287 x 229 x 11mm144 pagesText in EnglishFirst editionISBN: 978-0953319916

Paris Paris Paris by Corinne Vionnet

¥6,490

フランス系スイス人アーティスト、コリーヌ・ヴィオネによる作品集。 2005年以来、コリーヌ・ヴィオネはマスツーリズムとイメージの大量流通に取り組んできた。本作は、彼女を一躍有名にした代表作に続く作品である。いくつかの観光地を研究した後、ヴィオネは最も写真に撮られる都市のひとつに目を向け、途切れることのないイメージの流れを生み出す数多くの場所やモニュメントを発見した。このスイス人アーティストは、ソーシャル・ネットワークに投稿される頻度の高い場所の定型化されたスナップショットという素材を変容させる。アーカイブ・リサーチ、クラウドソーシング、コラージュなど、その制作に多大な労力が費やされていることを全く感じさせない彼女のイメージは、私たちの集合的記憶と観光客の行動に疑問を投げかけている ─ なぜ私たちはいつも同じ写真を撮り、共有するのか？ - Title: Paris Paris ParisArtist: Corinne VionnetSoftcover with printed dust jacket 295 x 240 mm110 pagesFirst edition¥6,490 -

Not in Fashion: Photography and Fashion in the 90s

¥0

2010年9月25日から2011年1月9日にかけて、ドイツのフランクフルトに位置する美術館「MMK（MUSEUM für Moderne Kunst）」で開催された同名の展覧会の展示カタログ。本展でMMKは、1990年代を個人主義と自己決定的なスタイルの時代と定義し、ファッションと写真はその新しいライフスタイルを表現するための個人的／視覚的な言語を見つけだそうと試みていたと指摘する。その10年間は個人のアイデンティティ、個人主義、そして自身で定義したスタイルを重視する新しい世代を生み出し、ロンドン、ニューヨーク、東京、ベルリン、パリといった世界の主要都市では、新しい身体性の概念が謳歌された。彼らはプレタポルテやオートクチュール、そして光沢のあるファッション雑誌の過剰に人工的なイメージを克服し、ユースカルチャーの代わりに「リアルライフ」の写真に置き換える必要があると考えた。彼らは「集団で美しい」という概念を捨て、性差やその他の社会的慣習を無視しようとしたのである。会場では約200点の写真作品、オリジナルドキュメント、ライブイベントなどの幅広いプログラムが展示／開催され、ファッションデザイン、写真、アートが相互に影響を与え合いながら発展してきたことが紹介された。本書は写真家やデザイナーが90年代の広告キャンペーンと並行して撮影した写真や、その年代の雑誌の代表的な写真シリーズ、エッセイなど豊富に収録。90年代のファッションとファッション写真、そしてそのカルチャーを総括した歴史的展覧会に伴う大変意義ある資料となっている。展示作家Anders Edström/Ayzit Bostan/Bernadette Corporation/BLESS/Colier Schorr/Comme des Garcons/Corinne Day/Cris Moor/Helmut Lang/Inez van Lamsweerde & Vinoodh Matadin/Jason Evans/Juergen Teller/Kostas Murkudis/Maria Cornejo/Mark Borthwick/Martin Margiela/ M/M (Paris) /Nigel Shafran/Susan Cianciolo/Vanessa Beecroft/Walter Van Beirendonck/Wolfgang Tillmans/Yohji YamamotoNOT IN FASHION: Fashion and Photography in the 90swww.mmk.art/en/whats-on/not-in-fashion-Title: Not in Fashion: Photography and Fashion in the...

再掲：作品集を読む『Dark Rooms』

イギリス出身の写真家、ナイジェル・シャフランは、1980年代後半にヨーガン・テラーやコリーヌ・デイ、デイヴィット・シムズらとともにロンドンの『i-D』、『THE FACE』、『Dazed & Confused』誌などで活躍した写真家の一人である。現在ではファッションフォトグラファーというよりは、ギャラリーや美術館で展示を行う写真家として認知されている。1995年に自費出版したパートナーのルースとの生活を記録した写真集『Ruthbook』は、彼のキャリアのターニングポイントとなっただけでなく、写真家と被写体の関係性を捉えた名作として写真集の歴史にもその名を深く刻んだ。そして2016年、MACKから自身8冊目となる写真集『Dark Rooms』が出版された。本書は『Ruthbook』や、同じくパートナーを題材に制作された『Ruth on the phone』のようにひとつのシリーズから構成された一冊ではなく、シャフランが2005年から取り組んでいた未出版の5つのシリーズを中心に構成されている。スーパーのレジのコンベア上を流れる商品を撮影した「Supermarket checkouts」、エスカレーターを降りる人々を横からの目線でとらえた「Paddington escalators」、どこか物悲しさを感じさせる介護用品ショップのシリーズの「Mobility shops」、母親が自宅で制作していた作品を撮影した「Mother’s work」、そして自宅の台所に積み上げられた空の容器を写したシリーズ「Packages」。これらの一見脈絡のないシリーズの要所要所に自宅の風景を差し込みながら、本書は淡々と展開される。本作が過去のものとは異なり、極めて光の少ない場所で撮影された写真を多く採用している点に気がつくであろう。本書の制作中にシャフランは両親を立て続けに亡くしており、その出来事が『Dark Rooms』に大きな影を落としているということは本人も認める通りである。一体その出来事とこれらの5つのシリーズ作品はどのような関係性にあるというのだろうか。　 本書は、2004年に出版されたモノグラフ『Edited Photographs 1992-2004』の続編とみなすことも可能かもしれない。パートナーとの生活や息子の誕生を受けて編まれた『Edited Photographs1992-2004』と、家族の喪失を受けて編まれた『Dark Rooms』。しかし、一見似た体裁をとった2冊の相違はその内容のみにとどまらない。 「シークエンス（順序）」という言葉は、シャフランが自身の作品について語る際に最も頻繁に口にする言葉のひとつである。写真をもとの文脈から抜き取り順序付けることで効果的にみせること、そしてそれを一冊の本で行うこと。それこそが『Ruthbook』での彼の発見であった。本書では、直接的に類似性を指摘するような配置や端的な構成は取っておらず、むしろ各シリーズを独立したものとしても鑑賞できるよう、各シリーズのシークエンスはほとんど崩されていない。ここでは写真単位のシークエンス付けとシリーズ単位のシークエンス付けが同時に行われており、シリーズとしての独立性は保ちつつも、『Dark Rooms』というひとつの新たな作品へと昇華させるという異質かつ大胆ともいえる試みがなされている。各シリーズの独立性と優位性を保ちつつ編集するモノグラフ的構造と、そこに別の視点を与えることで新たな作品へと昇華する構造。この入れ子構造は、『Dark Rooms』という作品にある種の語りづらさをもたらす。本書がどのような一冊かを説明する際に「5つの未出版のシリーズを収録した一冊」と言った途端モノグラフの構造にとらわれるし、一度モノグラフという言葉にとらわれたが最後、これがひとつの新しい作品であるとは捉えづらくなってしまう。この構造はこの本から徹底的に一貫した物語性、あるいはドラマ性の排除を行っているのだ。このドラマ性の拒絶はナイジェル・シャフランという写真家が日常に潜む非日常性、我々が享受している日常風景のある種の不気味さ、不格好さを個人的な視点から捉える写真家であり、「日常性」や肩肘を張らない「さりげなさ」が作品において重要な要素であるという点からも当然の帰結として考えられよう。ここではむしろ喪失を世の定め、生の一部として受け止めた上で前に進もうとする写真家の姿が浮かび上がってくる。いまならば断片的に思えた5つのシリーズにも関連性が見えてこよう。運ばれるということ、進んでいく時間、老いゆく定め、かつてあった存在、役割を失ったモノたち。そこでは淡々と、時と絡み合ったこの世の様が描写されている。 本書の冒頭には小さく、 “For my family, past, and present（家族、過去、そして現在に捧ぐ）” と記されており、そこに未来を表す “future”という言葉は見当たらない。写真家の取り組みとは現在から静止した時間（過去）へと接続することであり、その姿は、シャフランが本作を制作するにあたってのもうひとつの影響源として名を挙げる1946年公開のイギリス映画『A Matter of Life and Death（天国への階段）』で、天国の使者が自在に時を止めて現世へと関与するさまと酷似している。しかしここで決定的に異なるのは、天界の使者が静止した時間に関与することができるのに対し、我々にはそうすることは許されていないという事実だ。我々に可能なのは、写真という欠片を介して過去へと接続しながら、その中にでもなく未来にでもなく、現在の中にこそ光を見いだすということである。本書は部屋で眠る息子のレヴの写真と、日常の象徴である自転車の写真で幕を閉じる。シャフランが暗い部屋の中で何を見たのかは、明白であろう。それこそが『Dark Rooms』という作品を包み込む静かな力強さなのであり、彼にとっての写真のあり方なのだ。突飛な手段を取るわけでもイメージと戯れるわけでもなく、伝統的な構造を用いつつ同時にさらなる昇華を模索した本書は、現代における写真集というメディアの新たな在り方を提示しているのかもしれない。(This article was originally published on 22nd February 2017) -Title: Dark RoomsArtist: Nigel ShafranMACK, 2016Hardcover,...